Yung Lean - "Unknown Death 2002"

Lamborghini, Nintendo64 e bocchini dalla sosia di Zooey Deschanel

2013

Diverse volte ho scritto che l'hip-hop stava cambiando: per la precisione si stava sbiancando. Con internet molte barriere culturali sono cadute e abbiamo avuto fenomeni come i BLKHRTS (fncl l vcl!) o Frank Ocean. Quello che però non avevo intravisto era la dimensione sistemica del fenomeno. Non si tratta, infatti, di qualche semplice sample di classici rock o giù di lì ma di un aumento notevole della forza lavoro caucasica direttamente coinvolta nella scena in reparti che prima erano off-limits.

Prendiamo ad esempio il collettivo di videomaker de noantri Rome York Studio che ha fatto venire a Roma quell'armadio pieno di coattume che è Waka Flocka Flame. O produttori decisamente poco affini all'Africa come SKYWLKR (r-fncl l vcl!!) o Harry Fraud operanti rispettivamente per Danny Brown e Smoke DZA.

Yung Lean è un altro tassello in questa direzione: non tanto perché è un rapper bianco (Eminem anyone?) e neanche tanto perché quando questo album è uscito aveva solo 16 anni. Quanto perché l'hip-hop globalizzato è sempre più realtà: Yung Lean è un rapper bianco 17enne che viene da Stoccolma (non da Detroit, Atlanta o LA) e incide per la Mishka NYC, un'etichetta hip-hop indipendente americana che ha nel suo roster già piccoli fenomeni come il rapper queer Cakes Da Killa. Non solo due tracce sono prodotte da producer statunitensi (bianchi) in ascesa: Suicideyear e Friendzone.

Ma al di là di inutili discorsi sulle etnie quello che conta che è che ascoltare Yung Lean sia un'esperienza unica e spassosa. Il flow è lento e rilassato e le basi sono un crossover fra trap (lo stile di beat hip-hop costituito principalmente da veloci pestate di charleston), chopped&screwed (voci rallentate e melmose) e cloud rap (sottogenere in cui troviamo beat tra ambient e chillwave) che crea un effetto etereo, ideale da ascoltare in uno stato di alterazione mentale.

Ma soprattutto sono i testi (in inglese, che rivelano una varietà lessicale quasi migliore di certi trucidoni a stelle e strisce) per un del giovane svedese a mostrare la sua unicità: se da una parte mostra la sua passione per l'hip-hop utilizzando in modo bizzarro le sue narrazioni di ricchezza ostentata (sono abbastanza certo che Yung Lean non possieda le macchine sportive, i danari, le donne e le droghe di cui parla) dall'altra riempie questa retorica di elementi ascrivibili al suo universo di appartenenza, quella di un adolescente vagamente nerd (Pokémon, Star Wars, videogiochi e carte di Yu-Gi-Oh). Senza scordare la strana fissazione per la marca americana di tè freddo Arizona di cui ho comprato una bottiglia per capire quale fosse il segreto.

3,50€ di zucchero liquido. Ottimo per accompagnare spinelli pieni di semi e rametti.

Inoltre la sua crew si chiama "Sad Boys" e per tutto il disco preponderante è questo mood "emotional" in cui la tristezza è macchiettisticamente rappresentata come virtù. Quando perciò Lean dice "I'm a make you hurt" intende ferire la sua ragazza emotivamente, non fisicamente, in modo da farle raggiungere il suo stesso stato mentale e raggiungere una connessione profonda.
Non lasciatevelo sfuggire o vi si possa perdere sotto al letto polveroso la carta di Charizard sbrilluccicosa.

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P.S.: leggi l'intervista su Vice

Deafheaven - "Sunbather"

Lo chiamano "Blackgaze" ma per me è hardcore-de-Cristo

2013

Accadde un giorno del 33 che Gesù tirò le cuoia su una croce.

I becchini ne presero la carogna e la misero in una cantina, incuranti della presenza di botti di vino pregiato il quale, subendo gli afrori emanati dal morto, diventerà poi la miscela segreta del Tavernello.

Senonché il papà, l'egregio signor Iddio, appena venuto a sapere dell'accaduto tirò giù i suoi soliti bestemmioni infamanti la concorrenza - "Emmannaggiaggiove", "Quelputtanonemadidodivenere", "Mercuriomèrda", ecc. - per il fatto che il figlioccio già stava smerdando il buon nome della famiglia con lo schiribizzo di farsi una religione sua e per giunta facendosi schiattare nel giro di soli tre anni.

Toccava dunque a Lui raccogliere i cocci e salvare la baracca.

Il primo giorno costruì la macchina del tempo. Il secondo andò avanti indietro nei millenni a scoparsi le più grandi sorche della storia: da Cleopatra a Nicole Minetti, da Giovanna D'Arco a Marlene Dietrich passando per una revivalistica incestuosità con la siora Eva. Il terzo si riposò (leggi: si fece gli impacchi di bicarbonato - funziona per qualsiasi cosa - ai genitali per curarsi tutte le malattie che s'era beccato) ma giusto prima che iniziasse Carosello fece un salto nel 2013 e comprò "Sunbather" dei Deafheaven. Portò poi il cd e il lettore cd portatile del 1990 (nei suoi repentini viaggi nel tempo non s'era accorto dell'invenzione dell'mp3) nella cantina dove stava macerando il figlio e gli fece sentire la musica.

Una musica le cui parole facevano un po' così:

YAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

YAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

YAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

YAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

YAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA

Naturalmente così appaiono alle nostre orecchie umane ma gli Dei hanno il grande potere di poter decifrare il growl e quelle parole in realtà erano:

MANNAGGIADIOCANEMAIALESUDICIONEINCULATO

CULODELLAMADONNAPRESOAMORSIDAICANIDISATANA

CRISTOFINOCCHIOBRUTTOINCULOSHAMPISTASIFALAPEDICURE

Scosso come da una scarica elettrica Gesù riaprì gli occhi e, incazzato e ferito nell'orgoglio, disse "mo ve faccio vede io chi è il finocchio". Trasformò allora la copertina di uno dei dischi black metal misto shoegaze più monumentali del secolo ventunesimo in una roba da ragazzine hipster color pèsca minandone la credibilità nella scena metallara. Che poi ai Deafheaven gli andò de lusso perché "la scena" è una sagra della salsiccia mentre le metalhipsterine je danno giù de brutto.

Infine, Dio disse a Gesù "annamo a casa, dai: non vorrei che facessi altri casini che potrebbero comportare altre recensioni con paradossi temporali. Inoltre me stai a fa perde la pubblicità del Moplen che me piasce tanto".

Amen

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Holy Fever - "Holy Fever"

Una (santa) febbre da cavallo pres'abbene

2011

SBOOOOO! Fanculo l'hip-hop su SfigatIndie tornano le chitarre!

E che chitarrelle, che grintuccia, che foghetta, che fregolina!

Gli Holy Fever fanno un pop-punk-hardcore melodico che ricorda nella voce catarrosa, ma anche nel songwriting pluridimensionale con tanti elementi esterni (il bubblegum rock femminile rifacentesi agli anni '60 dei Cults o degli Sleigh Bells, ad esempio), band saporitissime come Titus Andronicus o Joyce Manor. Qui abbiamo un ep di soli tre pezzi, corti ma superconsistenti. Per ovviare al problema della scarsa durata sul vostro player di musica dovreste trovare un simbolo simile a quello del riciclo: pigiatelo e assumerete un'espressione gasata e gaia e beota per tutta la durata delle batterie del vostro dispositivo o, se si tratta di un aggeggio collegato alla presa della corrente, fintanto che non dovrete correre al cesso.

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(Ecco una novità del blog. Ci si adegua a un futuro che pare abbastanza fulgido)

A$AP Rocky - "Long.Live.A$AP"

Smascellare coi denti d'oro tempestati di diamanti.

2013

L'anno scorso mi son lamentato come una femminuccia per 12 mesi di fila di come il 2012 fosse noioso dal punto di vista musicale: gnègnègnègneè ;_;.

Ora è il 2013 è sto ipercompensando sentendomi come un gangsta da circa 31 giorni. 

Sono di statura media, magro, stempiato, miope e non faccio paura a nessuno ma questo disco mi fa camminare come se stessi levitando a un millimetro da terra. È la carica antigravitazionale generata dallo $wag che esce dal mio lettore mp3 attraversa le mie orecchie e si propaga per le ossa, me le estende e mi fa sentire più alto, poi mi scarica elettricità nei muscoli e mi dona elasticità e senso del ritmo, poi BOOM nel sistema nervoso dove secerne endorfine a bomba come se mi stessi fumando una giollona nucleare. E via così nel cervello per sparare altri stereotipi sui neri - BANGBANGBANG - come una Tec9 durante un drive-by da una Chevy Impala.

A$AP Rocky ha 25 anni ed è un rapper mediocre per tecnica e per testi però, dopo aver pubblicato un bel mixtape, s'è beccato un contratto da 3 milioni di dollari dalla RCA e in questo "Live.Love.A$AP" se la scoatta duro, alla faccia dell'industria discografica in crisi nera. Ed è proprio questa faccia tosta la sua forza principale, quella che gli ha procurato il malloppo: A$AP, al secolo Rakim Mayers, è giovane, bello e non ha nulla da temere grazie alla sua dentatura dorata, le sue treccine, i suoi bei vestiti firmati e il suo gran gusto nelle basi. O meglio il suo gran gusto nel scegliere i produttori giusti come Clams Casino, inventore di un dark-hop sfumato ed elegante, Danger Mouse e persino Skrillex che, dopo essersi trasformato in emulo di Burial, qui si sbizzarisce nella techno cafona di "Wild For The Night". Mentre altrove, come nella quasi zuccherosa "Fashion Killa", è lo stesso Rocky a coprodurre con lo pseudonimo di Lord Flacko.

"Long.Live.A$AP" è un album sfarzoso nei suoi beat, sulla scia di Watch The Throne di Kanye e Jay-Z, eppure scorrevole e divertente. Non lesina nemmeno sui featuring comprendendo tutti i rapper più IN del momento (Drake, Kendrick Lamar, Action Bronson e Danny Brown) ma è anche estremamente personale con la retorica spavalda del nostro A$AP Rocky a farla da padrone.

È l'album più tamarro di questo inizio di 2013. E anche il migliore.

E mentre lo ascoltate vi si allunga il pisello di una manciata di cm.

O vi si allarga la circonferenza della chiappe.

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Le Raccoltine di SfigatIndie - "Nuthin' but a 'P' Thang"

Corso accelerato di post-femminismo tamarro

2012

Le Raccoltine di SfigatIndie sono tornate e sono qui per restare!

Ossia, ancora una volta ho preso tre canzoni da youtube, le ho confezionate all'acqua di rose e ci ho messo questa copertina fatta con Gimp che se usavo vinavil e forbici dalla punta arrotondata mi veniva meglio: e ora potete scaricare il tutto gratuitamente ed illegalmente! YEEEEEEES!

Questa volta il tema dei brani è

Ragazze bianche un po' trucide che fanno brani di hip-hop cafone accompagnati da video imbarazzanti i cui testi però, al di sotto della loro spessa superficie coatta, nascondono riflessioni molto interessanti sull'affermazione della donna e della sua sessualità nell'odierna iperconnessa società post-postpatriarcale

 Prima di analizzare le singole tracce ci serve un po' di background: l'hip-hop è un fenomeno nato nelle comunità afroamericane principalmente fra i giovani di sesso maschile - e fin qui ci siamo tutti, immagino. Da qui con un evento abbastanza imprevisto - denominato Beastie Boys - ha compiuto prima una salto etnico e solo in seguito di genere sessuale (pur rimanendo nella comunità afroamericana). Fra le rapper nere più interessanti citiamo solo Lauryn Hill, Missy Elliot e Lil' Kim che dopo l'epoca delle faide della prima meta degli anni '90 vollero mettere una toppa all'eccessiva violenza gangsta che il rap maschile ispirava raccontando il ghetto attraverso altri occhi seppur con un linguaggio non troppo diverso, sempre fiero e spavaldo (che ritroviamo oggi con straficone intimorenti come Azealia Banks).
Il passaggio alle donne bianche è stato però lungo e complesso ed è risultato inizialmente più in una macchietta che altro, poiché è ovvio che non si poteva certo imitare la stessa condizione svantaggiata delle colleghe afroamericane (e la stessa cosa è accaduta per i rapper bianchi che si sono dovuti cercare altri argomenti, spesso piuttosto triviali). Di questo tipo troviamo gli esperimenti acerbi dell'inglese Lady Sovereign o le ben più frivole Uffie e Ke$ha (e qui - off topic - voglio però ricordare che la sua cover di "Don't Think Twice, It's Alright" di Bob Dylan è quantomeno sorprendente).
Di recente, invece, sono spuntate delle tizie che per quanto apparentemente adornate da un'estetica non poco trash, rappresentano un modo abbastanza originale di approcciare il femminismo tramite il linguaggio senza filtri del rap: diretto, sboccato e oltraggioso. Ed è, a mio avviso, piuttosto efficace.
Scopriamo dunque tre fra le mie rapper bianche preferite degli ultimi tempi.

Iggy Azalea - "PU$$Y"

Il 2012 è l'anno dello sdoganamento del cunnilingus. Partendo dal "I guess that cunt gettin' eaten" della sopracitata Azealia Banks, passando per il "my pussy tastes like Pepsi Cola" di Lana Del Rey, senza scordare l'inno allo slinguamento vaginale di Danny Brown in "I Will", si arriva a questa australiana che prende l'argomento di petto (di pube, ahem) anche nel titolo (che è poi quello che rappresenta la 'P' nel citazionismo di questa raccoltina). La biondina Iggy parla di quanto la sua fica sia profumata, succulenta (dice che sa di Skittles... mmmm) e bagnata (come il Titanic e il Rio delle Amazzoni).
Detta così potrebbe sembrare una stronzata eppure questa non è altro che una trasposizione doverosa delle pose machiste dei colleghi uomini che raramente hanno disdegnato parlare dei loro, supposti, megapeni.
Ovviamente una sottile misoginia si è insinuata nei commenti di youtube dove molti si sono indignati per la presenza di bambini nel video: mavafangù.

Brooke Candy - "Das Me"

Probabilmente la più trucida del trio, Brooke Candy è una spogliarellista italoamericana diventata famosetta grazie a un tumblr pieno di foto abbastanza nsfw che l'ha fatta finire nel video di "Genesis" della cantante goth-psichedelica canadese Grimes. In "Das Me" mostra un'estremizzazione in salsa rosa ultra-kitsch del solito immaginario hip-hop: macchinoni, bling-bling, champagne, droghe e, ovviamente, bambini asiatici tenuti al guinzaglio. Ma il vero punto nodale del brano è la liberalizzazione dell'epiteto slut (traducibile come "baldraccona smandrappata" o "tizia che la da a tutti senza posa") in versi come:
"It's time to take the back "Slut" is now a compliment
A sexy-ass female who running shit and confident
Lady who on top of it, a female with a sex drive"
Candy rivendica il suo diritto di donna di fare sesso con quanti le pare senza esser per questo esser considerata più deprecabile di un uomo che pratica lo stesso tipo di libertinaggio. A tal proposito cita la famosa strofa di Lil Kim':
"Here's something I just can't understand
If the guy have three girls then he's the man
He can either give us some head, sex a roar
If the girl do the same, then she's a whore"
  modificandola in
"It ain't your business who I'm fucking with
A dude could fuck 3 bitches and they'd say that he's the man
But I get it in with twins, she's a whore
That's what they saying"
Il riferimento è alle polemiche scaturite da alcune foto di lei seminuda in compagnia di due gemelli (i famigerati gemelli Sewel). È inopinabile dunque che, nonostante l'estetica super-appariscente, Brooke Candy rispolveri il dibattito su alcune questioni morali che rimangono ancora irrisolte persino nella nostra odierna società occidentale. Anche se perché se provi a opinare ti fa il cazzo a fette (sul serio: "Take a knife to your dick, I'm a cut your fucking loss". LOL, trovo questo tipo di minacce stranamente eccitanti. Lorena Bobbitt FTW).
"Next time they call you a slut
Brooke Candy tell you not to give a fuck"

Kreayshawn - "Gucci Gucci"

Infine, tocchiamo un altro argomento diverso con Kreayshawn che nella sua "Gucci Gucci" se la prende col conformismo e con le mode nel ritornello che fa:
"Gucci Gucci, Louis Louis, Fendi Fendi, Prada
Basic bitches wear that shit so I don't even bother"
Alla faccia del buon nome internazionale del made in Italy, la rapper di San Francisco propone di investire quei soldi in maniera più produttiva, sul proprio partner o sulla propria famiglia (probabilmente qui intesa come crew). O anche su un bel po' di canne. Il brano in sé suona abbastanza stupido e sborone, tuttavia come abbiamo visto dal punto di vista contenutistico è almeno un mezzo passo avanti nei confronti del solito banale rap a sfondo edonista e consumista (anche se un tempo, per quanto riguarda la cultura afro, lo sfoggio di ricchezza era più che altro un segnale di rivalsa sociale).
E ad ogni modo sul verso finale ritroviamo un certo orgoglio vaginale:
"I got the swag and it's pumping out my ovaries"
Fuck yeah!

Downloada subito l'evirante seconda Raccoltina di SfigatIndie

Christian Death - "Only Theatre of Pain"

Dark-wave? Death-wave? Decapitiamo un agnellino e battezziamoci nel suo sangue-wave!

1982

Quali sono gli album che più vi fanno cacare sotto per la strizza? Quali sono gli album che definireste horror? Il metal ha spesso cercando di inseguire questa strada sin dai suoi inizi: ad esempio, con il primo disco dei Black Sabbath grazie anche a una copertina non poco disturbante.

Eppure, secondo me, in quei casi troppo spesso si è cercato l'eccesso e l'oscenità a tutti i costi in un modo che sfiorava la barzelletta (mi vengono in mente i disgustosi ma risibilmente divertenti Cannibal Corpse).

Dove cercare dunque se non dalle parti della dark-wave: filone macabro della new-wave iniziato da gruppi come Cure, Bauhaus e Siouxsie & The Banshees.

Tutti gruppi inglesi questi, tutta gente con un certo senso dell'umorismo se non altro: ma che succede invece se una cosa del genere la si mette in mano a qualcuno che si prende molto più sul serio, tipo gli americani?

"Only Teathre Of Pain" dei Christian Death è il disco che più mi fa sentire a disagio e mi angoscia proprio per questa ragione. Le sue soluzioni orrorifiche - rintocchi di campane, testi blasfemi e versi recitati al contrario ("sevlesmeth pleh ohw esoht spelh dog") - sono costruite ad arte eppure emanano una raggelante "sincerità" che non si può ignorare. Il merito è tutto della voce deprimente, viscida e suicida di Rozz Williams, che lecca le orecchie e poi le morde, e nelle schitarrate ustionanti di Rikk Agnew che pugnalano con precisione e violenza le orecchie della vergine sacrificale di turno. A dare l'aspetto di un vero sabba danzante attorno al fuoco contribuisce il ritmo di un basso registrato a volumi spropositati, che sostanzia capolavorrori ballabili come "Romeo's Distress".

Per la nostra (in)sensibilità contemporanea un disco del genere potrebbe apparire, sulla carta, macchiettistico e artificioso (per questo bisogna ringraziare, non so se seriamente o ironicamente, le banalizzazioni di Marilyn Manson) eppure ascoltandolo è davvero difficile mettersi a ridere, specialmente tenendo a mente che Williams, dopo diversi progetti su questa falsariga, difficilmente stava scherzando quando venne trovato impiccato nel suo appartamento di West Hollywood il primo aprile del 1998,

Buon Halloween a tutti da SfigatIndie.

BU!

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The Divine Comedy - "A Short Album About Love"

Non conta la lunghezza, conta come lo usi

1997

 Negli anni '90 uno spettro si aggirava per la Gran Bretagna: era lo spettro del brit-rock. Ovvero s'era deciso che era ok far diventare delle superstar gente ultracoatta che magari un giorno aveva bigiato il lavoro in acciaieria per andarsi a comprare una chitarra (naturalmente dato che si tratta di britannici, quindi da Shakespeare in poi mediamente più stilosi dell'europeo medio, anche i loro tamarri son migliori dei nostri).

Tuttavia, per fortuna, non era tutto così: c'era anche una parte più altolocata e ricercata del brit-rock. E qui a tutti verranno in mente i Pulp di Jarvis Cocker, il quale era sorta di dandy proto-hipster. Un fico, invero, ma forse in un modo troppo esibizionista da "Ehi, guardami, sono fichissimo. Adorami!" o "Metto delle puppe sulla copertina del disco, ma delle puppe chiccose". Ai limiti del poserismo post-newromantico, insomma.

Poi, a un livello superiore, c'è Neil Hannon: lui sì un vero galantuomo, brit ma in modo elitario (dall'Irlanda del Nord), elegante e sfacciato al punto giusto da immolarsi alla poesia scegliendosi come moniker direttamente la dantesca Comedìa (perché qualcuno doveva pur farlo) nonché talmente raffinato da pubblicare un concept album sul gioco del cricket.

"A Short Album About Love" è il suo quinto album ed è intitolato con grande onestà: sette canzoni d'amore per una durata di trenta minuti come si faceva nei dischi pop dei primi anni '60. Anni che in questo disco si ritrovano nello spirito, oltre che nella forma, grazie a un baroque pop soave ma dolorosamente agrodolce di scuola tipicamente bacharachiana. L'amore cantato da Hannon (a volte con inflessioni quasi tenorili) è sempre visto da una certa distanza, quasi incolmabile ma la brama per esso non può cessare poiché la calda idea del suo raggiungimento ci tiene vivi.

Ma, ovviamente, non immaginatevi di vedere uno come lui piangere in pubblico: al massimo se sarete voi a piangere, in un attimo vi porgerà il suo fazzoletto di seta ricamata prima che la prima lacrima possa toccare il suolo.

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Discovery - "LP"

Alla scoperta della sensibilità della cassa dritta sensibile

2009

Recuperate dal vostro cervello le immagini più stereotipiche di una discoteca. Quelle immagini solite dei film che mostrano questi inferni di sudore, luci stroboscopiche, volumi assordanti e voluttà non protette assortite. E in fondo non che la realtà sia eccessivamente differente, ma perché? Chi ha detto che il ballo inteso come catarsi psicofisica tramite movimento coordinato dei muscoli a linee di basso vibranti deve per forza avere un'aura di fumosa decadenza e seriosità. Una seriosità che si trova anche nei brani a tema più positivo come quelli dei Black Eyed Peas, per dire: la serata della propria vita, il ballo come atto di riscatto e banalità del genere. Sia che lo si dipinga di nero o di bianco c'è sempre un monocromatismo soffocante nell'immaginario danzereccio.

I Discovery vogliono mostrare il contrario a partire dalla copertina del loro primo e, al momento, unico "LP". Vogliono convincerci che nel martellare meccanico di una drum-machine ci può essere anche un sentimento complesso, ricco di sfumature di colore: basta metterci sopra tanti falsetti piagnucolanti/gioiosi, campanellini, tastierine pirupiranti e il gioco è fatto. D'altronde una band formata per una metà dal cantante dei Ra Ra Riot e per l'altra dal tastierista dei Vampire Weekend non può fallire in un intento del genere. "LP" è un LP succoso, divertente e ballabile con sentimento, che farà impazzire i fan di electro-fagottate simili come i succitati gruppi, i Postal Service o i Passion Pit. Quei gruppi che insomma sanno far provare un luminoso spleen estivo anche durante le stagione fredda in arrivo.

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The Vaccines - "Come of Age"

Il ritorno dell'albionica speed-malinconia

2012

Qualche amabile adoratore del blog SfigatIndie avrà forse notato la drammatica diminuzione della produzione postifera negli ultimi mesi. 

È tutto vero, non è un'illusione, e me ne dispiaccio: mea culpa, mea culpa, mea maxima culpa, ma non del tutto.

È che, diciamolo chiaramente, con l'industria discografica ancora più in crisi del solito questo mezz'anno appena conclusosi è stato avarissimo di uscite sia in senso quantitativo che in senso qualitativo. Qualcuno magari mi dirà che le ottime uscite ci son state e che me le sono probabilmente perse, sarei contento se così fosse, ma un fatto indiscutibile è l'ormai aumentata distanza fra l'hype di un'opera in uscita e la sua effettiva bontà al momento dell'ascolto. Nel 2011 le cose erano assai più rosee: basti pensare ai grandi ritorni celebrati con gioia da tutta la critica di P.J. Harvey, Tom Waits, Bon Iver, Fleet Foxes, St. Vincent, ecc., ecc.

Quest'anno per me i ritorni di artisti che amo si son rivelati una delusione dopo l'altra: da un'inconsistente Santigold a degli irrilevanti Maxïmo Park, dai nuovi eterei e flatulenti Maccabees a dei Japandroids senza mordente, dai Mystery Jets reinventatisi country a dei pigri Futureheads passando per dei bizzarri e quasi heavy, ma non proprio emozionanti, Bloc Party. Cacchio, perfino i Fine Before You Came mi hanno lasciato indifferente. Non parliamo poi del Teatro degli Orrori. 

Fortuna che c'è Fiona Apple...

Ma tra tutta questa gente tornata sulle scene a stupirmi un po' ci pensano proprio quelli che sulla carta erano i più deboli, quelli da cui un secondo album inutile e fiacco me lo sarei proprio aspettato. Se sapete leggere avrete già capito che sto parlando dei Vaccines, band inglese spuntata dal nulla grazie a un vigoroso pompaggio mediatico di quelli belli come non se ne facevano più dai tempi degli Arctic Monkeys.

Ebbene sono tornati con un album sicuramente meno esplosivo ma riuscitissimo. Un album più verboso, intimista e mellifluo in pezzi come "Weirdo" o "Lonely World" ma che non scorda il veloce brio brit-indie in gassate hit come "Teenage Icon" o "Change of Heart, pt. 2". Il tutto sorretto dalla voce giusta, solida e piena, seria e decisa. Un album più complesso, insomma, di quelli che ti aspetteresti da una band che sta crescendo e sta mantenendo le promesse come fanno le persone mature di cui ti puoi fidare.

In finale, dunque, non è che non ci siano stati buoni dischi in questa prima metà del 2012 (prendiamo notevoli ficatelle come Lo Stato Sociale, i Passion Pit o Kindness) ma questo nuovo album dei Vaccines è il primo a cui voglio veramente bene... per quanto si può voler bene a una sequenza di 0 e di 1 scaricata da Filestube.

Sì, la mia ironia spezza-romanticismo fa schifo, lo so.

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Van Morrison - "Astral Weeks"

Ermetiche poesie piroettanti

1968

L'idea dei dischi da portare su un'isola deserta mi ha sempre lasciato un po' perplesso perché, andiamo, quanto è credibile un naufrago che ritrovatosi sull'isola di Lost possa tranquillamente ascoltare i suoi dischi su un impianto stereo perfettamente funzionante (probabilmente grazie a delle celle per l'energia solare) acchittato dal Venerdì di turno?

Ciononostante se esistesse una roba del genere questo album lo porterei sicuro, garantito al limone, al lime e alla papaya, tanto per rimanere in contesti esotici.

Oscurato un po' dalla fama contemporanea del cognomonimo (parola credo inesistente) collega americano James Douglas "Jim" Morrison, l'irlandese George Ivan "Van" Morrison non poteva certo vantare un carisma fricchettone e quindi nemmeno nessuna frase allucinata e "illuminante" scarabbocchiata su chilometri quadrati di pagine di Smemoranda negli anni a venire. Van Morrison era un un poeta vero: ermetico e introverso. Non un fattone con una bella voce che ha avuto il culo di incontrare una gran band. Pure Van "The Man", poi, in quanto a voce mica scherzava.

Quando si ritrovò a registrare questo capolavoro con una vera band jazz, il sogno della sua vita, non diede indicazioni specifiche né sulle partiture da suonare né sul significato dei suoi testi. Ed ecco che, come una magia, quegli arrangiamenti folk-jazz quasi improvvisati e i quei testi tanto ariosi quanto misteriosi sono ciò che più delizioso e brillante e affascinante le orecchie possano ascoltare ancora oggi, a 44 anni dalla loro creazione. Dall'acrobatico cantato "scat" singhiozzante al più incredibile basso acustico che avrete mai modo di sentire, passando per la generosa selezione di strumenti allieta-timpani (vibrafoni, sassofoni, flauti e clavicembali), tutto concorre alla creazione di un'atmosfera in bilico fra malinconia e gioia incredibilmente "ballabile", preferibilmente sull'erba, a piedi nudi.

Infine, tutto risponde alla logica del "se una cosa è bella, tanto vale che duri a lungo" con 4 brani su 8 che superano i 6 minuti.

Non vedo l'ora di sfonnarmi con l'aroplano, custodia porta-vinili in acciaio super-resistente alla mano, in mezzo all'oceano pacifico.

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P.S.: però, che cazzo: nel '68 pur non avendo photoshop i grafici riuscivano a far copertine più belle di quelle di oggi.

The Sonnets - "Western Harbour Blue"

Tutti sul panfilo dell'amore! Mare profumo di mare, con l'amore io voglio giocareee...

2010

ZZzZZZZZZZZzzZZzzZzz...ZZzzZZZ..ZZZzzZzzz

DRIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIINNNNNNNN!!!

Aaaargh!!! Uuuuuh, urgh... ma ma ma...quanto ho dormito? Co-come!? 55 giorni!!?!

Diamine, tutta colpa della musica indie soporifera del 2012. Umpf... Di che si può parlare ora? Vediamo che giorno è: 7 Luglio.... estate. AH, perfetto! Fammi preparare le valigie che me ne vado in barca a vela a Saint-Tropez con questi stilosi e romantici fichetti svedesi. Lo so è una cosa molto chic e altolocata ma da due anni a questa parte è diventata per me un'abitudine irrinunciabile. Questi Sonnets fanno infatti un pop madido d'acqua di colonia come non si sentiva dagli '80 degli Style Council e Prefab Sprout: sentimentalismo infoulardato, pianoforte, bossanova, sassofono e coretti languidi.

Perché l'amore estivo è più bello sognarlo in prima classe.

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BADBADNOTGOOD - "BBNG2"

JAZZJAZZNONDAVECCHI

2012

Quando è stata l'ultima volta in cui il jazz è stato considerato accattivante dalle nuove generazioni e non roba per over-30? Probabilmente qualcosa come 70 anni fa, a causa dell'aura purista e snobbona con cui i musicisti del genere hanno quasi sempre adorato circondarsi e anche tutti i tentativi di svecchiamento successivi, come le incursioni nei territori "pesanti" del jazzcore e del jazz-metal, sono rimasti confinati in nicchie di ascoltatori.

La soluzione arriva dal Canada. Ovviamente.

Oh, Canada, salverai il mondo non è vero?

I BADBADNOTGOOD lo scrivono chiaramente:

"Nessuna persona al di soprà dei 21 anni è stata coinvolta nella produzione di quest'album". E il risultato è che questo "BBNG2", secondo album in 2 anni dei torontiani, suona freschissimo e cool e glamour ma è jazz, proprio jazz, inequivocabilomente jazz. 

La loro formula di riaggiornamento non investe soltanto la forma, sebbene lo faccia molto bene con l'ausilio di una produzione moderna di suoni analogici in cui il basso, strumento melodico fondamentale, è mixato ad un livello più basso (un po' come si fa oggi con la voce per altri generi), ma il neo-jazz badbadnotgoodiano mostra anche differenze strutturali con il passato ricavate da influenze moderne di musica elettronica (con un approccio compositivo "stratificato"), post-rock e hip-hop (con una preponderanza del beat cadenzato rispetto al virtuosismo batteristico). Generi che a loro volta devono molto al jazz. 

A contribuire poi a questo infighettamento concorrono alcune cover paracule ma ben riuscite di James Blake con "Limit To Your Love" (già cover di Feist), "Earl" di Earl Sweetheart (giovanissimo rapper del collettivo Odd Future), "Flashing Lights" di Kanye West e infine la chicca shoegaze-punk di "You Made Me Realise" dei My Bloody Valentine.

Superando l'alta barriera dell'immaginario sofisticato, pretenzioso e un po' matusa del jazz i BADBADNOTGOOD ci portano un disco affascinante nonché di facile ascolto nel quale, dopo tanta musica piena di beat pompanti e chitarre arrotanti, si torna anche a sentire un po' di eleganza al piano, e intendo proprio il piano suonato non 3 note di synth ripetute in loop .

Insomma, con l'idea giusta si può riuscire a svecchiare qualsiasi cosa, compresi il liscio e la polka.

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Subsonica - "L'eclissi"

Cassa dritta pecoreccia (ma non sempre per fortuna)

2007

Ieri, guardando i Subsonica in tivì al concerto del primo maggio, oltre ad aver pensato "Cacchio, ma questi sono i nuovi Modena City Ramblers/Bandabardò del Concertone: li invitano sempre" mi sono ricordato di questo loro quinto album e di quanto mi piacesse, nonostante non fossi mai stato particolarmente fan dei torinesi (questi torinesi, non i torinesi tutti).

E mi son anche reso conto di quanto siano stati avanti: un pop-rock con un'elettronica così preponderante loro l'avevano fatto con qualche anno di anticipo rispetto a molti altri, persino sulla scena internazionale, e in qualche modo il loro synth-rock (che 10 anni fa chiamavamo "electro-clash") rimane unico e bisogna rendergliene conto.

Tuttavia, rimane anche un po' di rammarico per come questa unicità sia stata donata dal Dio della musica "proprio a loro", che questi strumenti non li hanno mai utilizzati al massimo. I vizi dei Subsonica sono infatti grossi come una casa e basta ascoltare un qualsiasi brano per accorgersene. Innanzitutto la produzione è tamarra nel sangue (perché loro sono tamarri nel sangue: basta vedere Boosta con le sue tastiere molleggianti). Una roba tutta incentrata sull'aggiungere piuttosto che sul togliere, con la voce di Samuel sempre effettata su strati e strati di suonini e scorreggine digitali che si potrebbero anche risparmiare. Pure le chitarre quando ci sono sembrano di plastica. Inoltre gli arrangiamenti sono sempre abbastanza prevedibili: e vabè che è musica pop ma almeno in qualche pezzo non designato a singolo potrebbero cazzeggiare un po'. Per questi motivi, infatti, quello che è considerato il loro miglior album, "Microchip emozionale" (1999), non è il mio preferito: per quanto ambizioso e avanti ai suoi tempi nelle intenzioni, è invecchiato malino, specie per quanto riguarda il comparto sonoro che risulta oggi piuttosto ammuffito.

Infine, il peggior difetto dei Subsonica è..... -  suspànce - è..... la ridicola scrittura dei testi ad opera di Samuel. E cos'altro sennò? Dall'ermetismo che non serve altro a mascherare la mancanza di cose da dire all'ammassamento di aggettivi inutili, per non tacere dei testi "impegnati" che arrivano solo obliquamente a parlare di qualcosa di sensato, senza scordare i ritornelli di due parole ripetute in eterno, i Subsonica ci hanno lasciato un'eredità che la nostra povera musica alternativa impiegherà anni a smaltire, come delle scorie nucleari.

E nonostante tutte queste grane perché questo disco mi piace tanto?

Semplicemente perché è il disco in cui tutti questi problemi si sentono di meno, son abbastanza nascosti da una componente elettronica che mai prima era stata così massiccia: dalle katanate di tastiera della gasante apertura "Veleno" alla techno da rave di "Il centro della fiamma", passando per la drum&bass di "Piombo" (che credo sia una canzone anti-mafia ma sempre in quel modo incerto che dicevo prima).

Insomma, un ottimo album che mostra cosa potrebbe fare questa band se osasse e si allontanasse un attimo dagli stilemi che si è autoimposta: non solo una band in grado di fare con anni di anticipo i Pendulum e gli Aucan (che "Black Rainbow" è subsonico al 100% ma palloso).

"L'eclissi" arriva dopo quello è il loro lavoro più brutto, "Terrestre" del 2005 (monotono e tutto chitarre di plastica, bruciata però), e nel 2011 sarà seguito da quello che il loro secondo lavoro più brutto, "Eden" (tante idee interessanti ma eseguite male). Dunque o questo album è solo un incidente di percorso o magari c'è un disegno di fondo e il prossimo sarà un capolavoro. 

Nel dubbio aspettiamo fiduciosi fist-pumpando nell'aria a ritmo delle loro casse dritte.

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P.S.: durante il tour di questo disco utilizzarono una fighissima parete di led: un'altra roba un sacco avanti, davvero.

I Blame Coco - "The Constant"

Electro-pop raccomandato

2010

Non accuso il nepotismo: dopotutto sono perfettamente in grado di comprendere che se sei figlia di un musicista, se sei nata e cresciuta in un ambiente pieno di musica, hai accompagnato tuo padre a lavoro in giro per il mondo, risulta assai innaturale anche solo provare a fare qualcosa di diverso tipo, che so, il tassidermista.

Questa è, infatti, la storia di Eliot Paulina Sumner detta "Coco", figlia di Gordon Matthew Sumner detto "Sting", nata nel 1990 a Pisa (perché il papà è fissato con la toscana e ha una casa da quelle parti).

Al di là dei pregiudizi questo "The Constant" può, sì, ricordare senza dubbio alcuni elementi del frizzante synth-pop chitarroso della band paterna ma, in generale, è più assimilabile ad altre artiste electro-pop (con l'accento su pop) contemporanee come La Roux, Ladyhawke, Ellie Goulding  e Marina Diamandis.

Dalla sua Coco ha il pregio di scrivere canzoni meno frivole e "giocattolose" di quelle succitate colleghe e in questo l'aiuta la voce seria e corposa, questa sì, incredibilmente simile a quella del papà.

"The Constant" è un disco più che discreto, godibilissimo e sostanzioso, che pur non restando negli annali, apre la strada a una nuova strafica mascellona del pop.

Ve lo raccomando.

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P.S.: Sting è riuscito a piazzare anche un altro figlio, Joe, con la band Fiction Plane

The Stone Roses - "The Stone Roses"

Un capolavoro. Senza il quale gli Oasis non esisterebbero...urghhh

1989

Oggi è il Record Store Day, gente, il giorno in cui dopo 364 giorni passati a scaricare roba da mediafire ci si ricorda che esistono i negozi di dischi e che la musica ogni tanto si può anche pagare. Evvai!
Per questo vi racconto di quando comprai per la prima volta un vinile: il sopra-raffigurato primo album (il secondo è irrilevante) degli Stone Roses. Un disco bellissimo, fondamentale, indescrivibile e unico nel suo genere. Pensate un po', Noel Gallagher decise di fondare una band dopo aver visto un loro concerto. Gli Stone Roses vengono infatti da Manchester e sotto sotto sono dei coatti non da poco: sebbene infatti questo disco non lo sia, perché nato in un'epoca in cui, sulla scia dei concittadini Smiths, andava di moda fare i dandy maledetti e sofisticati, in seguito i componenti della band si sono sbizzarriti con la loro tamarragine.
Il cantante Ian Brown, ad esempio, ha creato il suo brand di tute in acetato che potete vedere indossato fieramente da lui stesso nella copertina del suo ultimo album "My Way". Un album più che discreto invero, perché checché se ne dica gli Stone Roses ebbero un assaggio di quella mitica fiamma che permette di scrivere canzoni immortali. E non è che il ricordo di tal fiamma si perde tanto facilmente.
Anche se dal vivo son sempre stati inadeguati: ad esempio, il batterista Reni (se vi pare un nomignolo strano sappiate che il bassista si chiama Mani) non è mai stato in grado di eseguire decentemente la vorticosa e incessante "Fool's Gold" (presente solo nella versione statunitense del disco) e Ian Brown è un bel po' stonato. E da quest'anno li potrete rivedere in tutti i grandi festival d'Europa perché si sono riformati!!! Chissà magari son migliorati.
Del disco in sé comunque c'è poco da dire: ha la mia età e se non lo avete sentito dovete ascoltarlo e basta perché è impossibile da descrivere senza usare parole come megastraficaderrimoultrabombotronicocremosoipertrascendentalebazoom.
E pensare che io lo comprai a scatola chiusa: ne avevo letto soltanto sul libro allegato a Rolling Stone "I 500 migliori album di ogni tempo" che lo liquidava alla posizione quattrocentonovantasettesima con due parole, però ero assai intrigato dalla copertina disegnata dal chitarrista John Squire in style Pollock+VitaminaC. Allora, con una mega botta di culo lo trovai per meno di 10 euro in un pidocchioso mercatino dell'usato vicino casa. Diciamo che il prezzo era adeguato perché, nonostante si sentisse perfettamente, la bellissima "Made of Stone" era completamente rigata a livello "sbracapuntina". Per questo l'omonimo disco degli Stone Roses è anche l'unico che possiedo sia in vinile che in cd.
Bene, per quest'anno è tutto: via via, andate a comprare un disco che vi piace molto e lasciate marcire nei magazzini le tonnellate di dischi "meh" in circolazione che tanto prima o poi li troverete alle bancarelle a 50 centesimi l'uno.

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I quartieri - "Nebulose"

Nello spazio nessuno può sentirti piagnucolare

2010

Quando ci si sente soli è sempre la stessa storia.

Non importa se si è su un autobus durante l'ora di punta, in motorino sulla tangenzialeo a lezione all'università. Quando ci si sente soli è un po' come trovarsi su una navicella spaziale, alla deriva nello spazio profondo, che ha perso le coordinate: lontani anni luce da qualsiasi persona che possa aiutarci o semplicemente farci compagnia. Perché in realtà chi ci sta attorno non si trova mai nelle nostre condizioni, non può capirci.

Fortuna che la scienza musicale nel 2010 ha elaborato un medicinale altamente lenitivo che si assume per via auricolare chiamato I quartieri.

La one-man band di Fabio Grande canta di questa solitudine interstellare con voce carezzevole, chitarra reverberata e tanti effetti sonori siderali attorno come se stesse veramente fluttuando con rassegnazione nel buio dell'abbandono alla ricerca di un lumicino di empatia. E inevitabilmente quando ascolterete queste tenere poesie su basi soft-space-post-rock radioheadiane vi sentirete sicuramente un po' meno desolati.

Inoltre questo disco non ha controindicazioni: lo potete ascoltare anche quando siete felici senza deprimervi perché, si sa, la felicità non esisterebbe senza l'infelicità dunque queste melodie agrodolci vi faranno apprezzare ancora di più quello che avete e la moltitudine di stelle nel cielo che, viste così tutte assieme, non sembrano più tanto sole*.

"Satelliti noi non saremo mai

ma nebulose scintillanti

prima orbitammo insieme lentamente e poi

scoprimmo d'essere distanti

in due universi diversi

due universi diversi"

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*: no pun intended